Les peintures les plus célèbres de Léonard de Vinci

Les peintures de Léonard de Vinci sont belles et pleines de mystères. Ils ont été portés à un degré de perfection impensable, car le maître a travaillé sur chacune de ses créations pendant plusieurs années.

Notre classement répertorie tous les plus grands tableaux de Léonard de Vinci, avec des photos, des noms et des informations détaillées sur chacun d'eux. La liste n'incluait pas les dessins d'inventions, les dessins animés, ainsi que les peintures pour lesquelles les critiques d'art doutent de leur appartenance au pinceau de Léonard. De plus, les copies de peintures qui n'ont pas survécu à ce jour n'ont pas été incluses dans la sélection.

18. Homme de Vitruve

Années d'écriture: 1490.
Où se trouve: Galerie de l'Académie, Venise.
Matériaux: plume, encre, aquarelle sur papier.
Dimensions: 34,3 x 24,5 cm.

Si vous dites que ce n'est pas une peinture, mais un dessin, vous aurez tout à fait raison. En effet, l'Homme de Vitruve est un dessin, une illustration réalisée par Léonard pour le livre du grand ancien architecte romain Mark Vitruve et placée dans l'un de ses journaux.

Cependant, ce dessin n'est pas moins célèbre que les peintures de notre liste. Il est considéré non seulement comme une œuvre d'art, mais aussi comme une œuvre scientifique. Et démontre les proportions idéales du corps humain.

Après avoir étudié les mathématiques et la géométrie, en particulier l'œuvre de Vitruve, la soif de connaissances de Léonard atteint son paroxysme. Dans L'Homme de Vitruve, il a appliqué l'idée de symétrie universelle, le nombre d'or, ou «proportion divine» non seulement à la taille et à la forme, mais aussi au poids.

• 6 paumes = 1 coudée;
• longueur de la pointe de la base la plus longue à la base la plus basse de 4 doigts = 1 paume;
• 4 paumes = 1 pied;
• envergure du bras = hauteur;
• 4 paumes = 1 étape;
• 4 coudées ou 24 paumes = hauteur de la personne.

D'autres peintures de renommée mondiale de Léonard de Vinci qui incluent le principe du nombre d'or sont Mona Lisa, Annonciation et The Last Supper.

17. Madone à l'œillet

Années d'écriture: 1478 — 1480.
Où se trouve: Vieille Pinakothek, Munich.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 42 x 67 cm.

De nombreux historiens de l'art attribuent cette œuvre au jeune Léonard alors qu'il était encore apprenti dans l'atelier de peinture de Verrocchio. Il y a un certain nombre de détails qui soutiennent cette version, par exemple, les détails du visage de Madonna, le dessin de ses cheveux, le paysage à l'extérieur de la fenêtre, ainsi que la lumière douce et diffuse caractéristique de l'artiste italienne.

Malheureusement, les années n'ont pas épargné la peinture et, en raison d'une mauvaise restauration, la surface de la couche de peinture est devenue inégale.

16. Annonciation

Années d'écriture: 1472 — 1476.
Où se trouve: Uffizi, Florence.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 98 x 217 cm.

C'est avec "Annonciation" qu'il débute en tant qu'artiste Léonard de Vinci.Ce tableau aurait été créé en collaboration avec Andrea del Verrocchio, dans l'atelier duquel il a été donné à l'âge de 14 ans. En faveur de la paternité du futur célèbre maître italien, l'étonnante précision anatomique, caractéristique de toutes les œuvres de Léonard, ainsi qu'un certain nombre de croquis dans les journaux qui ont survécu jusqu'à nos jours parlent. En faveur de la paternité d'une autre personne - la nature des traits et la composition des peintures avec lesquelles Marie a été peinte; ils contiennent du plomb, inhabituel pour da Vinci.

Il est intéressant de noter que si vous regardez l'image en vous tenant juste devant elle, des défauts dans l'anatomie sont perceptibles. Par exemple, la main de Marie semble être un peu plus longue que ce qu'elle est typique pour les habitants ordinaires de la planète Terre. Cependant, si vous allez sur le côté droit de l'image et que vous regardez de là, la main de Maria se raccourcit comme par magie, elle-même devient plus grande et le centre de gravité de l'intrigue est transféré sur sa figure - comme prescrit par l'intrigue. Très probablement, la prétendue irrégularité physique est le résultat d'une illusion d'optique soigneusement conçue: le tableau était censé être suspendu à un angle par rapport au spectateur.

15. Baptême du Christ

Années d'écriture: 1476
Où se trouve: Uffizi, Florence.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 177 x 151 cm.

Et ce travail Leonardo a écrit en collaboration avec son professeur. Selon Giorgio Vasari, qui a compilé la biographie de l'artiste, Verrocchio a demandé au jeune apprenti (au moment de la rédaction du tableau, Leonardo avait 24 ans) de peindre la figure d'un ange aux cheveux blancs dans le coin gauche du tableau. Le professeur était tellement impressionné par l'habileté de l'élève qu'il, déshonoré, ne se mit plus à peindre.

14. Portrait de Ginevra de Benchi

Années d'écriture: 1474 — 1478.
Où se trouve: Galerie nationale d'art, Washington.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 38,8 x 36,7 cm.

Une couronne de laurier et des branches de palmier au dos de l'image laisse entendre que la femme représentée n'est pas facile. La première couronne indique sa poésie, et la seconde - qu'elle n'est pas étrangère à la miséricorde et à la compassion. Cette impression est soutenue par la beauté stricte et quelque peu austère du modèle, sa peau d'albâtre pâle et retombante, comme en méditation, des siècles. L'absence presque totale de bijoux et de vêtements résolument modestes indiquent ses activités intellectuelles. Et à juste titre - la peinture représente la poétesse Ginevra de Benchi.

La manière de l'image (en particulier l'ombrage avec les doigts - Leonardo vient de commencer à maîtriser cette technique, donc la couche de peinture est inégale par endroits) parle déjà fort de l'habileté du créateur. Éclairage doux particulièrement caractéristique et paysage en arrière-plan, comme enveloppé d'une brume rougeoyante.

13. Madonna Benoit

Années d'écriture: 1479 — 1481.
Où se trouve: Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Matériaux: peinture à l'huile sur toile.
Dimensions: 48 x 31,5 cm.

"Le fantôme d'une vieille femme" au "cou plissé", "petit corps gonflé" et "sourire édenté" - des mots si peu flatteurs que l'image a été décrite par le critique d'art américain, dont les propriétaires - la famille Benois - ont été chargés d'établir la paternité. Malgré toutes les épithètes colorées, il l'a néanmoins attribué comme appartenant au pinceau de Léonard de Vinci - ceci est soutenu à la fois par la manière de peindre et par la douce lumière diffuse inhérente à l'artiste, qui crée naturellement le volume de deux personnages.

L'un des détails symboliques est une plante crucifère faisant allusion au sort de l'enfant. Cependant, ni la mère ni le bébé ne le savent encore. Il joue négligemment et elle le regarde avec un sourire.

12. Adoration des mages

Années d'écriture: 1479 — 1482.
Où se trouve: Uffizi, Florence.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 246 x 243.

Malheureusement, l'une des peintures du grand artiste, sculpteur, scientifique et ingénieur de la Renaissance est restée inachevée. Leonardo a déménagé dans son lieu de résidence à Milan et n'allait pas revenir. Heureusement, les clients ont gardé une image inachevée.Il se distingue par sa composition non standard et sa riche signification symbolique.

Par exemple, Marie est assise sous un chêne, qui est un symbole d'éternité, un palmier pousse au loin - un signe de Jérusalem, et les ruines d'un temple païen à l'horizon sont la destruction de la religion païenne, qui a été supplantée par le christianisme.

11. Saint Jérôme dans le désert

Années d'écriture: 1480 — 1490.
Où se trouve: Vatican Pinakothek.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 103 x 75 cm.

Malgré le fait que la peinture soit restée inachevée, elle a fait une forte impression sur les contemporains. Cela est principalement dû à l'incroyable précision anatomique de l'image du corps humain pour laquelle Leonardo était célèbre.

Un sort difficile attendait l'image - après un certain temps, le travail a été scié et les planches ont été utilisées pour les buts les plus bas. Il est allégué que l'un des amateurs d'art aurait trouvé une partie du tableau sous la forme d'un couvercle de coffre.

10. Madonna Litta

Années d'écriture: 1478 — 1482.
Où se trouve: Ermitage.
Matériaux: tempera, planche.
Dimensions: 42 x 33.

La maîtrise du grand artiste italien s'est manifestée dans les détails, qui racontent une sorte d'histoire. Par exemple, la robe rouge d'une femme a des coupes d'alimentation spéciales, dont l'une est cousue. Apparemment, elle a décidé qu'il était temps d'arrêter d'allaiter. Mais l'un d'eux a été déchiré à la hâte - les points de suture et les extrémités suspendues du fil sont visibles.

9. Madone des rochers

Années d'écriture: 1483 - 1490 et 1495 - 1508.
Où se trouve: Musée du Louvre et National Gallery de Londres.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 199 x 122 cm

Il y a deux œuvres pratiquement identiques de Léonard dans le monde avec le même nom. L'un d'eux est à Paris et l'autre à Londres. La première version de da Vinci a été commandée pour le panneau de l'autel, et avec une intrigue clairement définie. Cependant, l'artiste, apparemment, considérait que son talent et sa compétence lui donnaient droit à certaines libertés. En conséquence, ils étaient tellement nombreux que les clients ont refusé de payer les travaux. Un litige à long terme a commencé, qui s'est toutefois terminé avec relativement de succès. La deuxième version a commencé à être accrochée dans l'église, et la première a disparu des radars d'histoire de l'art pendant environ cent cinquante ans, jusqu'à ce qu'elle soit retrouvée dans le trésor des rois de France.

Comme beaucoup d'autres peintures de Leonardo, celle-ci regorge de messages cryptés. Cyclamen à côté de Jésus symbolise l'amour, la primevère - la vertu, l'acanthe - la résurrection à venir, et le millepertuis - le sang versé par les martyrs chrétiens. C'est cette image que l'auteur du célèbre "Da Vinci Code" a essayé d'utiliser comme illustration de ses constructions, où il a déclaré qu'en fait la signification de l'intrigue traditionnelle est complètement différente.

8. Portrait d'un musicien

Années d'écriture: 1485 — 1487.
Où se trouve: Bibliothèque ambrosienne, Milan.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 43 x 31.

Le seul portrait d'un homme parmi les célèbres peintures de da Vinci. Au départ, les historiens de l'art pensaient que le tableau représentait le duc de Milan lui-même, patron et ami de Léonard de Vinci (dans la mesure où une personne occupant une telle position sociale peut être l'ami de n'importe qui). Jusqu'à plus tard, on découvrit que le jeune homme tenait un rouleau commençant par les mots «chant angélique». Par conséquent, le tableau a été rebaptisé "Portrait d'un musicien". Et un certain nombre de critiques d'art font une hypothèse audacieuse qu'il s'agit de Léonard lui-même, car la musique faisait également partie de sa sphère d'intérêts.

7. Dame à l'hermine

Années d'écriture: 1488 — 1490.
Où se trouve: Musée Czartoryski, Cracovie.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 54,8 x 40,3 cm.

Bien que la paternité de l'artiste italien de génie ait parfois été remise en question, les critiques d'art s'accordaient pour le moment sur le fait que c'était l'une des meilleures peintures de Léonard de Vinci, sinon la plus parfaite d'un point de vue pictural.On pense que l'artiste qui adorait les énigmes et les chiffrements chiffrait son nom à l'image d'un animal blanc dans les bras du mannequin. En latin, la famille des belettes s'appelle gale et le nom de la fille est Cecilia Gallerani.

La peau blanche comme neige d'une hermine (et le portrait le montre très probablement) est un défi audacieux pour le statut quelque peu douteux de la femme gardée du duc de Milan. Selon la croyance populaire, cet animal apprécie tellement sa fourrure d'un blanc immaculé qu'il est prêt à mourir plutôt que de le tacher de saleté.

6. Dernière Cène

Années d'écriture: 1495 — 1498.
Où se trouve: temple de Santa Maria delle Grazie, Milan.
Matériaux: fresque.
Dimensions: 460 x 880 cm.

L'une des peintures les plus célèbres de Léonard de Vinci, en fait, ne l'est pas. C'est une sorte d'expérience la plus grande et la plus infructueuse du grand scientifique italien. À la fin du XVe siècle, le duc de Milan a chargé le célèbre artiste de peindre le mur du monastère pour un montant dont l'équivalent serait désormais de 700 000 dollars.

On a supposé que l'artiste, comme beaucoup avant lui, peindrait sur du plâtre humide - après le polissage final, une telle peinture serait solide et durable. Cependant, la fresque impose ses propres limites - en plus de la manière spécifique d'appliquer les peintures (il est nécessaire d'écrire immédiatement et proprement, d'autres corrections sont impossibles), seuls certains pigments lui conviennent. Et puis leur luminosité diminue, «rongée» par une surface bien absorbante.

Pour Léonard, sceptique vis-à-vis des autorités, qui a tout atteint seul et, apparemment, était assez fier de cette circonstance, de telles restrictions étaient insupportables. À une échelle véritablement Renaissance, il a décidé de rejeter l'héritage du passé et de retravailler tout le processus, de la composition du plâtre aux peintures utilisées. Le résultat était prévisible. La couche de peinture de la fresque a commencé à se détériorer deux décennies après l'achèvement des travaux. En plus des solutions techniques infructueuses, l'image a souffert du temps.

Tout d'abord, les habitants du monastère ont décidé de scier les jambes du Christ, en faisant une porte à cet endroit, puis des peintres médiocres, essayant de renouveler le tableau, ont perverti impitoyablement son intrigue (par exemple, la main de l'un des apôtres s'est transformée en ... un pain). Le bâtiment a été inondé, puis un grenier à foin en a été fabriqué et, pendant la Seconde Guerre mondiale, une bombe a frappé le temple. Heureusement, la fresque n'en a pas été endommagée. Il n'est pas surprenant que 20% de la peinture originale ait à peine survécu à notre époque.

Il est intéressant de noter que c'est cette image en ruine et parfois teintée qui a été pendant de nombreuses années le tableau le plus célèbre de da Vinci - et ce qui est là, le seul accessible au spectateur ordinaire. Les autres étaient tous gardés par les riches de ce monde. Le statu quo n'a changé qu'avec le transfert de la Joconde de la chambre de Napoléon au Louvre.

Des deux autres fresques créées par da Vinci, seuls des fragments ont survécu à ce jour.

5. Belle Ferroniera

Années d'écriture: 1493 — 1497.
Où se trouve: Louvre, Paris.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 62 x 44 cm.

Une légende intéressante est associée à l'une des peintures les plus célèbres de Léonard de Vinci. Lorsque le tableau est arrivé en France, l'un des propriétaires a fait une inscription dessus - "Ferroniera". Ce mot mystérieux (comme la beauté incontestable d'une femme) a excité l'imagination des personnes proches de l'art depuis de nombreuses années.

Le galant «historien de l'amour», Guy Breton, qui vivait déjà à notre époque, a composé toute une histoire. La beauté prétendument anonyme était la maîtresse de François Premier, et elle a commencé à porter ses bijoux pour cacher l'ecchymose qu'elle avait reçue pendant la nuit avec le roi.

Très probablement, Lucrezia Crivelli est représentée dans le tableau de Léonard de Vinci intitulé "La belle Ferroniera". Elle était l'une des maîtresses du patron de Léonard, le duc de Milan. Et le nom vient de sa décoration sur le front - ferronières.

4. Tête de fille

Années d'écriture: 1500 — 1505.
Où se trouve: Galerie nationale, Parme.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 24,6 x 21 cm.

Une représentation inachevée d'une jeune femme avec une coiffure bâclée (d'où l'autre nom du tableau - La Scapigliata, échevelée) a été peinte d'une manière similaire à d'autres œuvres inachevées - peintures à l'huile avec un léger ajout de pigment. Les critiques d'art estiment cependant que le contraste entre des cheveux à peine délimités et un visage magnifiquement exécuté faisait partie des plans de l'artiste.

Probablement Leonardo a été inspiré par un passage de l'écrivain antique Pline l'Ancien, populaire à la Renaissance. Il a dit que le grand artiste Apelles a délibérément laissé sa dernière image de Vénus de Kos inachevée, et que les admirateurs l'admiraient plus que ses autres œuvres.

3. Sainte Anne avec la Vierge et le Christ Enfant

Années d'écriture: 1501 — 1517.
Où se trouve: Louvre, Paris.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 168 x 112 cm.

Le contenu de cette image est profondément symbolique, Marie est assise sur les genoux de sa mère Anna et tend les mains vers l'enfant de son ventre - l'enfant Christ. L'agneau symbolise la douceur et le destin futur du Sauveur en tant que sacrifice pour les péchés du monde.

Les contemporains ont profondément apprécié la vivacité et le naturel des expressions faciales des trois participants à la scène - en particulier le demi-sourire mystérieux de Leonardo, à partir duquel Anna regarde sa fille et son petit-fils.

2. Mona Lisa (La Gioconda)

Années d'écriture: 1502 — 1516.
Où se trouve: Louvre, Paris.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 76,8 x 53.

Peut-être, il est difficile de trouver une personne sur le globe qui ne connaîtrait pas "La Gioconda". C'est de loin l'œuvre la plus célèbre du talentueux italien. De nombreuses énigmes et secrets de ce tableau de Léonard de Vinci n'ont pas encore été résolus:

«Mona Lisa» avait une signification particulière dans la vie de l'artiste - ce n'est un secret pour personne que parfois, emporté par quelque chose de nouveau, il était très réticent à revenir à une œuvre interrompue. Cependant, il a travaillé sur "La Gioconda" avec passion et enthousiasme. Pourquoi?

On ne sait pas exactement qui est représenté sur le portrait. Était-ce la femme du marchand del Giocondo? Ou la même femme qui a posé pour La Dame à l'hermine? Il existe même une version selon laquelle Salai, l'un des apprentis de l'artiste, a été représenté par lui dans au moins deux autres peintures, comme modèle pour Mona Lisa.

De quelle couleur était la robe de La Gioconda à l'origine? Apparemment, Leonardo a expérimenté les couleurs encore et encore sans succès, de sorte que rien ne restait de la couleur d'origine des manches. Les contemporains, d'ailleurs, ont admiré la couleur luxueuse de l'image.

Et, enfin, un mystérieux demi-sourire - est-ce qu'elle sourit du tout, ou est-ce juste une illusion habilement créée par l'artiste en utilisant les ombres dans les coins des lèvres?

1. Jean-Baptiste

Années d'écriture: 1508 — 1516.
Où se trouve: Louvre, Paris.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 69 x 57 cm.

Le dernier tableau de l'artiste, qui représente soi-disant Salai - l'un des apprentis de l'artiste, pour des raisons inconnues, a bénéficié d'une faveur particulière de Léonard. Le maître a beaucoup pardonné à l'étudiant. Jusqu'au vol d'argent pour un imperméable acheté à l'avance, dans lequel Salai était drapé pour "Bacchus" - une peinture qui n'a survécu à ce jour que sous la forme d'une copie. Un visage choyé, des boucles soigneusement bouclées et un demi-sourire particulièrement impudique ont suscité certains doutes sur la nature de la relation entre le maître et l'apprenti.

Cependant, il est difficile de comprendre quoi que ce soit dans les journaux de l'artiste - après avoir été accusé de sodomie à un jeune âge, il a soigneusement évité de mentionner sa vie personnelle n'importe où. Selon le testament, il a laissé sa succession et son argent, soit dit en passant, Leonardo au même Salai et à un autre de ses assistants.

Autoportrait de Turin par Léonard de Vinci

Années d'écriture: après 1512.
Où se trouve: Bibliothèque royale de Turin.
Matériaux: sanguine, papier.
Dimensions: 33,3 x 21,6 cm.

Il est considéré comme un autoportrait de l'artiste, peint à l'âge de 60 ans. Le portrait a été réalisé avec un bâton pour dessiner à partir de kaolin et d'oxydes de fer, c'est pourquoi l'image a une teinte jaunâtre. Actuellement non exposé en raison de la fragilité.

La controverse est toujours en cours autour de la paternité de l'œuvre populaire, malgré le fait que l'ombrage va de gauche à droite, comme c'était d'habitude Leonardo, cependant, certains critiques d'art la considèrent comme un faux. Selon certains rapports, lors d'une enquête aux rayons X, une peinture datée vraisemblablement du 17ème siècle a été trouvée sous l'image de l'aîné.

Le tableau le plus cher de Léonard de Vinci dans une collection privée: Sauveur du monde

Coût: $400 000 000
Années d'écriture: 1499 — 1507.
Où se trouve: collection privée.
Matériaux: peinture à l'huile sur tableau noir.
Dimensions: 66 x 47 cm.

De nombreux critiques d'art doutent que l'auteur de ce tableau soit Léonard de Vinci. Pour cette raison, elle n'a pas été incluse dans notre liste principale. Cependant, le "Sauveur du monde" est sans aucun doute l'un des les œuvres d'art les plus chères de l'histoire.

Lors de la vente aux enchères de Christie en novembre 2017, la toile s'est vendue pour un montant impressionnant de 400 millions de dollars. Maintenant, il est conservé dans la collection privée de l'un des princes saoudiens et, éventuellement, sera exposé à la succursale du Louvre dans ce pays.